The Stoner Canon: 101 films, albums et bien plus.

101 Films, albums, livres, émissions de télévision Trippy, etc.

Par Vulture Editors

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Larry Fitzmaurice, Corban Goble, Nate Jones, Adam Litovitz, Bryan Hood, Dee Lockett, Christian Lorentzen, David Marchese, Dan Reilly, Jerry Saltz, Bilge Ebiri, Luke McCormick, Lindsay Zoladz, Carrie Battan, Lane Brown et Kenny Herzog

Cet article a été publié à l’origine en 2015, mais vous savez pourquoi nous le republions aujourd’hui. Beaucoup de choses ont changé en quelques années, mais cela ne vous trompera pas.

Le pot est passé d’une drogue rebelle à une drogue légèrement rebelle à un apéritif largement légal, mais les notions populaires sur ce qui constitue le meilleur de la culture des stoners ressassent trop souvent de manière prévisible les Pink Floyds et les Spicolis du monde.

Alors élargissons nos esprits. Avec une perspective qui reconnaît à la fois les classiques et la récente vague de divertissements centrés sur les mauvaises herbes (et qui semble plus profonde que Cheech et Chong – ces films ne tiennent pas la route), voici 101 clés culturelles pour déverrouiller l’espace de tête zoné.

Le roman de Marlon James couvrant la Jamaïque, A Brief History of Seven Killings, est l’un de ces livres que vous pouvez sentir. Que vous suiviez le complot de meurtre de gangsters pour assassiner un chanteur très semblable à Marley ou que vous conduisiez un fusil de chasse dans la Porsche de l’homme d’affaires louche Alex Winston, la marijuana est toujours là, planant au-dessus de ce roman tentaculaire et changeant de perspective. Compte tenu de sa nature kaléidoscopique et épisodique, passer d’un endroit à l’autre et d’un esprit à l’autre le prépare parfaitement pour une lecture sans équivoque (mais pas particulièrement irie). Au cas où vous auriez besoin de plus de conviction, James vous a fait une mixtape.

Dans ses mémoires, A Field Guide to Getting Lost, Rebecca Solnit est là pour vous fournir une excuse vraiment poétique pour expliquer pourquoi vous êtes toujours en retard. Le livre est une célébration de toutes sortes d’expériences qui, traditionnellement (quand on n’est pas lapidé), provoquent la panique: perdre la carte, partir sans destination en tête, affronter l’inconnu. Solnit se délecte des vastes zones grises de contradiction («Calculer sur l’imprévu», écrit-elle, «est peut-être exactement l’opération paradoxale que la vie exige le plus de nous.») Et nous invite à nous demander si se «perdre», dans chaque sens du mot, doit toujours être une si mauvaise chose. Brûlez vos cartes, détruisez votre GPS et… commencez à vous excuser d’avoir marché trois kilomètres dans la mauvaise direction sur le chemin du brunch.

Pendant 736 heures, la gourou artiste du New Age, Marina Abramovic, a hypnotisé le grand public en pensant que s’asseoir en face d’elle dans l’atrium du MoMA et la regarder serait suffisant pour les emporter vers des hauteurs extatiques de révélation de soi. Cela semblait fonctionner, alors que les gens partaient en pleurant, confus, secoués, remués. Vous en avez peut-être détesté chaque seconde, mais sachez qu’Abramovic a puisé dans quelque chose de profond, de rituel et d’ancien en nous: le besoin d’appartenir, de se laisser emporter par l’hystérie de masse de la religion en devenir, de se sentir missionnaire, mot, confirmation donnée, et quelque chose comme l’amour maternel.

Oui, c’est une émission pour enfants, et oui, c’est bien plus que cela. Ce succès de Cartoon Network se concentre principalement sur les exploits en Technicolor de Finn et de son meilleur ami Jake the Dog alors qu’ils traversent le pays d’Ooo pour sauver la situation, encourager ses habitants et essayer d’impressionner une fille ou deux. Mais continuez à regarder, et entre tous les rires, les cris et les aventures faiblement D & amp; D, quelque chose de plus complexe émerge: une exploration convaincante de l’amitié et de la valeur de vivre une vie spontanée. Comme Adventure Time, encore une fois, en apparence un dessin animé pour enfants, le rappelle à maintes reprises aux téléspectateurs, l’inconnu ne doit pas être craint; il devrait être adopté. (Disponible pour diffuser sur Cartoon Network, Hulu, HBO Max, YouTube TV et Sling TV.)

African Herbsman est une compilation de singles publiée par Island peu de temps après la sortie de Catch a Fire, et en tant que telle est l’indica de la sativa de Catch a Fire; un ensemble plus léger qui représente certains des premiers travaux du professeur Lee « Scratch » Perry avec les Wailers et des versions plus ensoleillées et plus fluides d’albums ultérieurs comme « Lively Up Yourself » et « Trenchtown Rock ». L’ambiance est plus profonde – le groove est l’équivalent reggae du couchlock – et regorge de fioritures vocales teintées de psychisme de Bunny Wailer. Strident Bob a sa place. De même, comme le prouve African Herbsman, le chanteur dans ses incarnations plus douces.

Cette épopée de science-fiction animée de 1988 a joué un rôle déterminant dans l’essor des mangas et des anime aux États-Unis et ailleurs. Un drame dystopique expansif se déroulant dans un néo-Tokyo post-nucléaire, il était ambitieux, éclatant, sombre – et impossible à rejeter comme autant de piffle adapté aux enfants. C’était aussi, en l’occurrence, un film incroyable à voir de haut. La conception visuelle complexe du film, son intrigue dense, ses connotations apocalyptiques et ses incursions occasionnelles dans l’horreur corporelle en ont fait une expérience psychédélique unique. (Disponible en streaming sur Tubi et Hulu et en location sur iTunes.)

Un autre jour, le choix ici aurait pu être The Dancing Wu Li Masters de Gary Zukav ou Breaking Open the Head de Daniel Pinchbeck, mais Jaden Smith est un fan de Melchizedek, alors nous allons aller avec celui-ci, le texte sacré de non-fiction de notre nouveau Nouvel Age. Dans ce document, l’auteur révèle une «connaissance» ancienne crèche de l’Atlantide, la géométrie cachée qui régit l’existence, et d’autres ésotériques qui, si elles sont utilisées correctement, pourraient permettre, entre autres belles choses, au Mer-Ka-Ba de devenir un champ vivant de lumière. Et ça ne serait pas sympa?

Qui sont ces gens? D’où viennent-ils tout ça? Combien cela vaut-il? Épisode après épisode, Antiques Roadshow de PBS montre que ce sont des questions totalement captivantes. Et les trucs mentionnés ci-dessus sont parfois si bizarres! Une arme ancienne? Un rouleau de papier toilette que les Beatles ont refusé d’utiliser parce qu’il était «trop dur et brillant»? Regarder Roadshow vous donne une chance de fouiller dans le grenier américain. (Disponible pour diffuser sur PBS et YouTube TV et acheter sur Amazon.)

André 3000 n’est pas vraiment fan de weed, et il l’a dit sur la chanson titre d’ATLiens. («Pas de drogue ni d’alcool pour que je puisse avoir le signal clair comme le jour», rappe-t-il.) L’ironie, bien sûr, c’est que c’est un album qui semble suspendu dans la fumée. Outkast était peut-être devenu plus étrange (Speakerboxxx / The Love below) et plus dur (Stankonia), mais ils n’ont jamais sonné plus spatialement que sur des modèles comme « Wheelz of Steel » et « Elevators (Me & amp; You) ». (De plus, l’ancien partenaire d’André, Big Boi, n’a jamais cessé de fumer, alors ne laissez pas l’abstention de Dre tuer votre buzz.)

Même si vous n’avez pas de projecteur Imax 3-D dans votre salon, le film le plus rentable de tous les temps a toujours l’air plutôt sympa sur la vidéo domestique, en particulier après quelques bouffées de votre variété préférée d’unobtainium. Les montagnes flottantes de Pandore, les ptérodactyles, les créatures hippies à la peau bleue et les plantes qui brillent dans le noir semblent avoir été conçus expressément en pensant à vos sens accrus. Et si être haut rend difficile de suivre l’intrigue, considérez cela comme un bonus. (Disponible en streaming sur Disney + et en location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Dites ce que vous voulez à propos de Miley Cyrus, qui au fil du temps s’est réinventée en tant qu’icône du stoner millénaire, mais elle a fait l’album par excellence de cette décennie sur la détente. Aux côtés du producteur exécutif Mike Will, Miley a refait son son en un collage palpitant et claquant de Bangerz. «FU» en particulier, c’est comme le dubstep rencontre Winehouse, et c’est incroyablement puissant.

« Parfois, il y a un homme, eh bien, c’est l’homme pour son temps et son lieu. » Et telle est l’une des façons de présenter Jeffrey «the Dude» Lebowski, le super-froid des frères Coen, White Russian-swilling, Creedence-like, malapropism-jaillissant, bowling-passionné stoner hero qui se trouve au milieu d’un Raymond Chandler – câpres esque. C’est un film qui récompense plusieurs visionnements, avec autant de petits détails flottant à la surface, comme lorsque le mec jette accidentellement un joint sur le comptoir du restaurant avec de la monnaie. Ensuite, il y a les théories, comme Donny étant le fruit de l’imagination de Walter, qui, si vous y réfléchissez, mec … (Disponible en streaming sur Cinemax et en location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Le producteur jamaïcain Lee « Scratch » Perry est l’un des créateurs sonores du dub, la ramification du reggae qui se concentre principalement sur des remixes instrumentaux de chansons mettant l’accent sur la basse, la batterie et les manipulations lourdes en écho. Cet album de 1973 – coupé avec le groupe house de Scratch, The Upsetters, dont certains rejoindront plus tard les Wailers de Bob Marley – est l’un des meilleurs exemples des années embryonnaires du genre, avec des morceaux trempés dans la réverbération et les percussions saccadées. De plus, à mi-chemin, vous obtenez «Pop Goes the Weasel», rendu ici sous le nom de «Pop Goes the Dread Dub».

Trouver une image ennuyeuse n’importe où dans le magnifique chef-d’œuvre néo-noir rétro-futuriste de Ridley Scott serait plus difficile que de traquer un réplicant Nexus 6 dans un Los Angeles pluvieux et dystopique. Il y avait suffisamment de direction artistique imaginative dans Blade Runner pour inspirer pratiquement tous les films de science-fiction réalisés depuis, il devrait donc fournir plus qu’assez de stimuli visuels – des boules de feu sur l’horizon de L.A., des hiboux animatroniques, des licornes – pour une soirée sur votre canapé. Également recommandé: écouter la partition de synthé phare de Vangelis avec un joli casque. (Disponible en streaming sur HBO Max et en location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Crumb était le dessinateur clé des années 60, l’homme responsable de l’emblématique M. Natural. Ses névroses – à la fois sexuelles et sociales – ont finalement trouvé leur correspondance parfaite dans, de toutes choses, la Bible. Magnifiquement dessinée dans son style inimitable et aiguë dans ses caractérisations, l’adaptation de Crumb du Livre de la Genèse est son effort le plus lourd, et fait que le psychédélisme manifeste de son travail antérieur semble presque psychiquement apprivoisé en comparaison.

«Une méditation de trois heures sur la masculinité, la maternité et la croissance en Amérique» ne ressemble pas exactement à une vente difficile pour les fumeurs de joints – mais le dernier film de Richard Linklater (et peut-être le meilleur) est si convivial que le DVD pourrait aussi venir avec un pack de Zig-Zags. Le rythme est à la fois vif et attentionné, la cinématographie présente la vie réelle comme un paysage nostalgique et trempé de miel, et l’histoire de Mason et de sa famille fracturée reelin ‘dans les années est surréaliste dans le sens où le passage du temps est vraiment l’esprit- expansion. Le parcours de Mason, d’un enfant coquin aux cheveux longs à un rebelle calme et artistique, est vrai pour tous ceux qui ont déjà réalisé que suivre le statu quo n’est pas aussi important que d’essayer, vous savez, de ressentir quelque chose. (Disponible en streaming sur Amazon Prime et Sling TV et en location sur iTunes, YouTube et Google Play.)

Comme The Truman Show et The Matrix, ce roman de 1973 imagine à quoi ressemblerait la vie de quelqu’un qui croit soudainement vivre dans un univers où le libre arbitre n’est pas acquis. Sauf plutôt que la satire télévisée ou le fantasme cyberpunk, Vonnegut se concentre sur un vendeur de voitures de l’Ohio qui utilise cette fissure dans l’œuf cosmique comme invitation à se lancer dans un déchaînement destructeur illusoire. (Bien que, pour être honnête, il y a pas mal de science-fiction dans TBOC.) Comme toutes les œuvres de Vonnegut, le livre vous fait rire de la vie tout en vous faufilant dans de solides vibrations humanistes. En outre, il y a beaucoup de blagues de bite et de dessins amusants.

Si vous avez déjà eu du mal à apprécier l’œuvre disjonctive et pas tout à fait sensée du poète vivant le plus célèbre d’Amérique, essayez de la lire à haute voix après vous être défoncée. Des études montrent que cette méthode est plus efficace avec les travaux ultérieurs d’Ashbery, donc pas de mal à commencer vos expériences avec son excellente nouvelle collection.

Vous avez probablement déjà expérimenté la magie de la comédie new-yorkaise Broad City et vous serez peut-être prêt pour une tournée plus complexe. Revoir la série en haut ouvre un nouveau niveau de joie et d’absurdité, et expose une couche de points et de détails de l’intrigue qui ne pourraient provenir que du cerveau amusé d’un stoner. Exemple: dans un épisode particulièrement psychédélique, Abbi se transforme en un ancien chanteur nommé Val. Au début, cela semble être une simple hallucination – jusqu’à ce que vous revisitiez la séquence d’ouverture de la saison et que vous remarquiez une folle dans le métro agitant et criant: «Val! Val! » Nous voyons ce que vous avez fait là-bas, les gars. (Disponible pour diffuser sur Hulu et acheter sur Amazon.)

Quelle que soit l’expérience défoncée qu’il a produit, le film épique de 24 heures de Christian Marclay composé uniquement de clips appropriés de films montrant l’heure, The Clock était enchanteur. Poursuivant les idées des années 1970 sur la durée, la performance, la documentation en tant qu’art et l’appropriation simple, Marclay a percé les cervelet et a rendu le temps absolument évident tout en semblant le ralentir simultanément. À peu près l’état de la pierre et du grand art.

Au loft de l’artiste Chivas Clem, West 14th Street, Pruitt a placé un miroir de 16 pieds de long sur le sol avec une ligne de cocaïne tendue d’un bout à l’autre. Un geste parfait incarnant le « Où étiez-vous pendant que nous nous défoncions? » auto-réinvention à faire soi-même de la fin des années 90. Les participants ont participé, ou pas, et sont retournés dans le monde avec un changement d’imprégnation ou non.

Avec 25 minutes et changement, cet album d’une chanson de 1975 peut être écouté de deux manières. Appréciez les textures et les sensations du son, et vous serez fasciné par le breuvage afrocentrique de Kuti de jazz, de funk, de R & amp; B, de soul et de blues d’appel et de réponse, en commençant par le duel clairsemé et lourd en écho entre les tambours et piano électrique, avant que la pièce ne se transforme en un groove intense et rythmé. Si vous vous sentez un peu plus concentré et philosophique, vous pouvez vous plonger dans les jérémiades anglais cassées de Kuti contre la corruption politique, policière et sanitaire de son Nigéria natal – un son incarné par les flous de synthés à trous noirs. qui ouvre l’album, et qui résonne encore 40 ans plus tard.

Pour des raisons souvent condescendantes et presque toujours ringardes, les fumeurs ont depuis longtemps une affinité pour la culture amérindienne; quelque chose sur la solidarité avec les outsiders contre-culturels, la dignité d’un lien étroit avec le monde naturel. La biographie de Mari Sandoz du guerrier militaire Oglala Sioux est le livre rare qui se sent empathique, plutôt que simplement sympathique, à la détresse des autochtones au 19e siècle. C’est aussi plein de langage figuratif absolument magnifique – des traîtres qui ont vendu leur langue à l’homme blanc; des colons qui s’enfoncent dans des collines pierreuses alors que les tortues s’enfoncent dans le sable. Crazy Horse est un morceau d’histoire aussi purement évocateur que vous êtes susceptible de le lire; un livre pour se promener.

Devenez un avec Narthos, l’opprimé amèrement orphelin par excellence (et son créateur prolifique, l’ami de Lovecraft et l’écrivain Clark Ashton Smith) alors qu’il se transforme en puissant sorcier des sorciers Namirrha (un commandant du diable «plus terrible que… pestilence») et tente de renverser l’obscurité pouvoirs qui sont dans ce classique de la fiction courte étrange des années 1930. Revisitez la sorcellerie oubliée des mondes engloutis pendant que vous formulez des théories sur la relation entre l’expérience psychédélique et les entités inventives en commençant par les dernières lettres de l’alphabet: Xeethra (un ancien seigneur maléfique), Zothique (le seul continent faiblement éclairé restant sur Terre), Zylac (une ville sur ce continent), Ummaos (la ville principale de cette ville) et Zotulla (empereur de Zylac), pour commencer. Au cas où Smith n’aurait pas déjà jeté son sort, il jette également un squelette géant orné, un étalon invisible et des légions de rats aux yeux rubis et de momies accueillantes de manière alarmante dans la lutte contre Zotulla.

Pour sa première sortie théâtrale à grande échelle, Richard Linklater a eu l’orgueil de mettre en scène un panorama quotidien qui n’essayait pas de changer la vie de ses protagonistes ou de chercher trop de sens dans la jeunesse des petites villes. C’est peut-être pourquoi, nonobstant le bizutage de première année et les coups de poing ivres, Dazed and Confusedd n’est pas alourdi par les énormes enjeux des films classiques sur le passage à l’âge adulte. Dazed est tout au sujet des petites choses – serrer la main après des matchs de baseball, flirt vierges, angoisse non résolue – qui déclenchent le sentiment d’être sur le point de savoir qui vous êtes tout en volant à travers et en se heurtant à d’autres points de vue. C’est le lycée à l’envers, là où Foghat commence à sonner mieux que vous ne vous en souvenez. (Disponible en streaming sur Amazon Prime et en location sur iTunes, YouTube et Google Play.)

Beaucoup de rappeurs ont exprimé de la poésie sur son amour pour la marijuana (ou son absence) sur un beat de Dilla. Mais parfois, il est préférable de laisser la classe de maître de Dilla, Donuts, parler. Vous voulez savoir d’où Kanye West a tiré certaines de ses idées? Ne cherchez pas plus loin que «Light It», la retouche de 30 secondes par Dilla de la couverture africaine du célèbre single censuré des Doors. Et puis laissez-vous évanouir au sampledelica hypnotique de «People» quelques coupes plus tard. Kanye lui-même a dit un jour que la musique de Dilla «sonnait comme une bonne chatte». Eh bien, tu sais quoi? Cela ressemble aussi à une kush premium.

Avec le riff de mutation le plus grand, le plus long, le plus lent et le plus lourd du monde (ou «paysage visuel», comme le dit le fan Jim Jarmusch) peut être bon pour l’introspection ou pour entrer dans des royaumes mythiques – la chanson d’une heure de cet album implique une procession de prêtres des mauvaises herbes. le credo de Hasheeshian », et nous implore de« quitter la vie »et de« suivre la fumée jusqu’au pays rempli de riffs ». (C’est une expérience tout-en-un, pas à distance-modérément consommatrice, donc nous y sommes presque déjà.) Mais il y a de fortes chances que les coups de tête ou les tambours aériens ou le zonage maximal prennent le relais de tout présage de création de mythes une fois vous êtes absorbé par la version ultime du trio de San Jose Sleep de leur classique Dopesmoker, qui consiste en grande partie à frapper le bang aussi fort que possible pour atteindre le cannabis Zion.

Nous sommes actuellement dans un âge d’or pour les fans de bandes dessinées qui aiment aussi la science-fiction pulpeuse. Dans leur dernière collaboration, Brandon et Klein emmènent loin de chez eux le trope occidental fatigué du cowboy solitaire hautement qualifié et le tirent jusqu’aux confins de la galaxie. Abram Pollux est le vagabond en question, un homme qui s’écrase sur un monde extraterrestre qui ressemble à un ensemble de films sans fin de Sergio Leone et est entraîné dans un conflit en cours tout en essayant de comprendre pourquoi il est ici et quand, exactement, « maintenant » est . Tout cela est couronné par les magnifiques œuvres d’art de Klein créées numériquement, qui rappellent les maîtres de la bande dessinée européens les plus cosmiques des années 70 et 80.

Tant d’albums trippants de l’ère psychédélique sonnent aujourd’hui comme une sorte de jeu de twee – comme si jouer sur une chanson avec des effets sonores et chanter sur les gnomes constituait un vrai trippiness. Le génie d’Electric Ladyland, cependant, et ce qui l’élève au-dessus de tous les autres albums psychologiques des années 60, réside dans la façon dont il capture, puis transmet, une vision du monde défoncée. Les effets sonores – tout le panoramique stéréo, la façon dont la batterie scintille, cette guitare wah-wah omniprésente – sont placés avec des détails magiques. Les paroles – même sur l’épopée de l’histoire d’amour aquatique «1983… (A Merman I Should Turn to Be)» – ont pour elles un caractère terreux, une solidité, libre de tout ce fantasme de tarte à la mandarine du professeur Picadilly qui a coulé tant de les auteurs-compositeurs de l’époque. Et la voix de Jimi a une qualité mystique et traînante, comme si les mots lui venaient dans le demi-instant avant qu’il ne les chante. Tout cela s’additionne. Electric Ladyland n’est pas l’œuvre de quelqu’un qui bavarde avec des signifiants psychédéliques, bave pendant qu’il se promène avec les crossfaders. C’est un album réalisé par un génie qui a passé des années en haut, a entendu une musique spéciale dans sa tête, puis l’a soigneusement traduite, ou autant qu’il le pouvait, sur cet album éternel.

Dans le film d’overdrive sensorielle du réalisateur Gaspar Noe, une âme quitte un démon DMT assassiné et erre librement, mais dans une sorte de purgatoire, dans un Tokyo écrasant que nous vivons à travers ses yeux (euh, psyché désincarné). Bien sûr, vous devez être prêt à être à l’intérieur d’un mort. Devenez sombre, lourd et désorienté et acceptez l’invocation de ce «mélodrame psychédélique» pour entrer dans le vide. Voyagez vers des endroits viscéralement discombobulants, errant sur les toits et à l’intérieur du corps (il y a une vue intra-utérine d’un pénis entrant dans le système reproducteur). Admirez les clubs de strip-tease, les conversations sur le Livre des morts tibétain, les chambres d’hôtel orgiaques, les salles de bains de scènes de meurtres et un passé incestueux – des images et des sons tour à tour sexy et terrifiants. Même la séquence de titre n’est pas faite pour les âmes sensibles. (Disponible en streaming sur Amazon Prime et Sling TV et en location sur iTunes, YouTube et Google Play.)

Dans des romans tels que Do Androids Dream of Electric Sheep?, Ubik, et une petite bibliothèque d’autres, le mégaprolifique gourou de la science-fiction Philip K. Dick a présenté certaines des vanités les plus épineuses et les plus fondantes de la littérature. L’exégèse de Philip K. Dick est l’un d’entre eux – avec l’avantage supplémentaire d’être réel. En 1974, alors qu’il se remettait de l’extraction de certaines dents de sagesse, Dick – un passionné de vitesse – a commencé à recevoir des révélations mystiques d’une entité qu’il a surnommée le Vast Active Living Intelligence System (c’est VALIS pour vous) et, graphomane qu’il était, il l’a compris. le tout sur papier. «Nous ne parlons pas d’une manière différente d’être au monde», a écrit Dick. «Ou jamais une meilleure façon; nous parlons de la levée pour la première fois dans l’histoire humaine d’une occlusion massive perceptuelle / conceptuelle liée au facteur de structuration ontologique que nous appelons causalité… »Mec, je sais! JE CONNAIS!

Pot et pseudo-profondeur vont de pair comme du pot et des amuse-gueules, et il n’y a pas d’album pseudo-profond du monde pseudo-profond et impressionnant du prog-rock que Fragile. Une partie du plaisir réside dans le jeu virtuose – toutes ces signatures rythmiques bizarres et riffs herky-saccadés, des coups de guitare country éclaboussés ici, une basse qui vacille là-haut (RIP, Chris Squire), des claviers ondulés partout: tout est maximum bombast, tout le temps. Ensuite, il y a la voix elfique du chanteur principal Jon Anderson, souvent en harmonie ecclésiale (et parfois à l’envers) chantant des trucs comme celui-ci: «Sharp! / Distance! / Comment le vent peut-il être si nombreux autour de moi / Perdu dans la ville.  » Tout cela est tellement imperturbable dans son ridicule que cela se transforme en quelque chose de grandiose, de la façon dont vous pourriez rester coincé à regarder un gratte-ciel et à penser à des choses comme, les gens ont fait ça!

Malgré son décor de South Central L.A., cette comédie de 95 transcende le genre des films de capot car, au fond, il s’agit d’amitié, de famille, de maturité et de fumer de l’herbe – de vrais universaux. En cours de route de cette journée dans la vie de Ice Cube nouvellement au chômage – licencié pendant son jour de congé! – les téléspectateurs rencontrent une ménagerie de personnages étranges et apprennent de précieuses leçons de stoner de Chris Tucker Smokey: «Puff, puff, give» est une bonne étiquette de rotation, mélanger de l’herbe avec de la poussière d’ange est une mauvaise nouvelle, et ne jamais se défoncer sur son propre approvisionnement, surtout quand vous devez Big Perm, euh, Big Worm. Si seulement le fait de planer donnait à tout le monde la force d’assommer l’intimidateur de la communauté. On peut rêver. (Disponible à la location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

De la même manière qu’une densité musicale maximale et des détails peuvent être absolument absorbants lorsque vos neurones sont troubles, une pureté intense et dépouillée peut également saisir l’esprit assommé et ne pas le lâcher. En 2013, From the Ages, Earthless, un groupe de hard-rock instrumental et largement improvisé de San Diego, prend le modèle de trio puissant d’icônes d’Age of Aquarius comme Cream, The Jimi Hendrix Experience et Blue Cheer et débarrasse-le de tout ce qui pourrait entraver la vraie pesanteur – structures pop, contraintes de temps (la meilleure performance ici est la plus longue, la chanson titre de 30 minutes), voix et paroles. From the Ages est juste un batteur, un bassiste et un guitariste qui déchire, et c’est incroyable.

Bien avant que ce chanteur légendaire de la côte ouest ne décède en 2011, il le découpait avec l’aficionado de l’herbe Snoop Dogg depuis ses 213 jours. Et il semble que ce dernier ait déteint sur Nate Dogg. Exemple concret: «Bag O’ Weed »- non, pas la chanson de Family Guy, celle du premier album de Nate Dogg. C’est plus ou moins la «Trap Queen» originale, un guide pour gagner et dîner avec votre femme – quoi d’autre? – cannabis. (Mais, comme le dit Nate, elle devra apporter la bouteille de vin.) Les sons imprégnés de pot du G-Funk des années 90 ne sont ni plus doux ni plus sinueux que cela.

Qui aurait pensé que la ligne de frappe de Neil Patrick Harris en tant que version déséquilibrée de lui-même atterrirait encore 11 ans plus tard, mais pour des raisons entièrement différentes? Telle est la vie charmée de Harold & amp; Kumar, qui glisse sur l’énorme bonne volonté des stars Kal Penn et John Cho, tout comme leurs alter ego échappent vivement au péril sur la peau d’un guépard CGI. Kumar chevauche sans vergogne la réalité et la fantaisie, crée des mondes entiers dans la quête des personnages du titre qui servent principalement de gags prolongés sur les rednecks échangistes, les femmes chaudes qui font caca et le sexe homme-marijuana. Mais en son cœur, Harold & amp; Kumar est un conte d’outsider classique agréablement perverti par le pot. (Disponible en streaming sur Starz, Sling TV et Philo et en location sur Amazon, YouTube, iTunes et Google Play.)

High Maintenance, la série humoristique consacrée à HBO sur un marchand d’herbe de New York et les excentriques à qui il fait affaire, est plus qu’une simple émission sur la marijuana. C’est une émission qui utilise la drogue pour dépeindre les façons étranges, inconfortables et joyeuses dont les gens des grandes villes se connectent les uns aux autres – ce qui est assez trippant quand on s’arrête vraiment pour y réfléchir. Les épisodes sont ordonnés et courts – chacun entre cinq et douze minutes – et donc parfaits pour regarder de façon excessive avec une capacité d’attention réduite. (Disponible pour diffuser sur HBO Max et YouTube TV et acheter sur Amazon, iTunes et YouTube.)

Un film de 2012 merveilleux et frustrant du provocateur français anarchique Leos Carax, plein de textures durement perturbatrices et de vanité surréaliste, et l’extraordinaire présence physique sauvage de l’acteur principal Denis Lavant, avec la densité parfaite de moments de obscurité. Oscar (Lavant) remplit les «rendez-vous» en se promenant dans une limousine et en adoptant diverses formes: un mendiant; un accordéoniste triste puis funky; un acteur de capture de mouvement avec des compétences de combat de gymnastique qui ne peut pas manipuler les tapis roulants et a la sensualité d’un serpent; un lutin d’égout grotesquement violent, amoureux des sushis, avide de couture. Oscar entre dans des confrontations inexplicables, des vignettes déconnectées qui nous offrent la réalisation ultime que … eh bien, que la vie nécessite une série de performances élaborées, certaines sensées et d’autres non, certaines offrant des délices sensuels ou sentimentaux, tandis que d’autres conduisent à des doigts rongés et le gouttière. (Disponible en streaming sur Kanopy, Pluto TV, Tubi, Sling TV et en location sur YouTube.)

S’allonger sur le dos pour mieux voir une œuvre d’art peut instantanément indiquer de grandes possibilités de changement de forme. C’est peut-être pour cela que toutes les peintures de plafond déclenchent des voyages de tête, des rêveries et des hallucinations. Tout ce qui s’est passé à Venise (à la 51e Biennale), l’un des sièges célestes de la peinture au plafond – nous prêtons allégeance à Tiepolo et au Tintoret – dans l’église baroque de San Stae sur le Grand Canal en 2005. On pourrait passer des heures à regarder L’énorme vidéo de Pipilotti Rist d’un prélapsarien Adam et Eve paysage de rêve de personnages chantant, nageant dans des jardins, flottant sur des nuages. La meilleure fresque de plafond réalisée ces derniers temps. Et cela inclut les peintures de Venise dans le Vénitien à Vegas – bien que presque chaque peinture de Sin City soit un voyage.

«Vous voulez être défoncé pour ça», assure Abel Tesfaye dans les premiers instants de House of Balloons – un énoncé de mission d’ouverture s’il y en a jamais eu. Bien qu’il y ait des références à toutes sortes de pilules et de poudres éparpillées tout au long de la première mixtape notoirement narcotique de Weeknd (titres de chansons représentatifs: «The Comedown», «Glass Table Girls»), ce sont vraiment des harengs rouges pour la véritable drogue spirituelle de Balloon – juste écoutez ces synthétiseurs éclatants et ces riffs psych-rock au ralenti.

Tant d’époques distinctes de Miles se prêtent à la contemplation: le jeu modal clairsemé de Kind of Blue, le mystère palpitant des efforts de fusion du milieu des années 70 comme Agharta, même les poèmes toniques de Sketches of Spain. In a Silent Way, cependant, est l’album de Miles qui se sent le plus apte à traîner, juste à écouter, alors que la trompette fantomatique de l’homme se fraye un chemin à travers des paysages sonores électroniques tranquillement bouillonnants. C’est du jazz comme une dérive ambiante effrayante.

Pensez au héros de Pynchon, le clochard P.I. Doc Sportello, comme Philip Marlowe avec des joints puissants substitués aux whiskies purs. Alors que Doc dérive dans les années 1970 à Los Angeles pour suivre les opérations du Golden Fang, qui pourrait être un problème d’expédition chinois, un cartel de dentistes maléfiques, un réseau d’héroïne ou les trois et plus, il s’avère que la paranoïa est le meilleur ami d’un détective. (Comme l’a montré la fidèle adaptation de Paul Thomas Anderson en 2014, une capacité inébranlable à suivre l’intrigue de Inherent Vice n’est pas nécessaire pour en profiter.)

Clams Casino (né Mike Volpe) est un producteur qui a aidé à créer un mini-mouvement de musique épaisse et céleste pour des rappeurs comme Soulja Boy, Lil B et A $ AP Rocky en 2011. Mais les rythmes violets de Volpe affectent beaucoup plus leur propres, rassemblés dans un petit emballage psychédélique où des mélodies oniriques transpercent un épais brouillard. Prenez vos écouteurs antibruit et un tas d’oreillers.

Quelle meilleure façon de contempler votre propre idée de stoner incroyablement épique que de regarder le documentaire de Frank Pavich sur le gourou du cinéaste psychoshamanique Alejandro Jodorowsky, une tentative ratée mais belle de dix ans de monter l’un des siens. Dans ce cas, nous parlons d’une adaptation colossale de Dune de Frank Herbert qui ne devait jamais être, par un gars qui n’a jamais pris la peine de lire Dune en premier lieu (l’un de ses nombreux gestes non-conformistes inspirants). Pour la honte, les studios hollywoodiens peu coopératifs! Voyagez avec cet enfant terrible de toute une vie, le vérificateur de réalité ludique et la tête parlante la plus dynamique de tous les temps, et découvrez l’enthousiasme, l’ambition et le chutzpah insensé à leur plus inspirant, alors que Jodo rassemble un casting et une équipe de rêve (y compris Mick Jagger, Orson Welles, Salvador Dalí et HR Giger) en brandissant des charmes magiques inégalés – charisme, aura, persévérance, créativité – et en vous guidant à travers des storyboards de ce qui aurait été les plans les plus cosmiques de tous les temps. Zoomez sur l’univers et saluez à deux bang toutes les belles choses qui partent en fumée. (Disponible à la location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Bob Ross était un artiste aux manières douces et à la voix douce dont les tutoriels de peinture d’une demi-heure étaient un incontournable de PBS dans les années 80, et pour tous les enfants qui passaient leurs vacances d’été principalement à l’intérieur, ils étaient une sieste essentielle l’après-midi. Pour les adultes qui se conduisent mal, cependant, regarder Ross, décédé en 1995, donner vie à ses «joyeux petits» nuages, arbres et créatures des bois dans ses paysages incroyablement détaillés était un nirvana de stoner. Rien de tel que de regarder Ross «battre le diable» avec ses pinceaux pour vous rassurer. (Disponible pour diffuser sur Hulu, IMDb TV et Tubi.)

La fin des années 60 et le début des années 70 ont été un âge d’or pour le jazz qui a parcouru les voies spatiales, et les albums alors contemporains de Sun Ra, de Mahavishnu Orchestra ou du brillant groupe Mwandishi de Herbie Hancock auraient facilement pu trouver une place sur cette liste, mais nous J’irai avec Lawrence de Newark comme substitut d’un style de musique: du jazz électrique hard qui va et vient selon sa propre logique primordiale. Surtout sur le monolithique «Khalid of Space, Pt. 2: Bienvenue, »Young, un organiste infiniment inventif, jette de puissants morceaux de sons qui pourraient inciter le responsable du Big Bang à hocher la tête et à dire:« Mec, intense. »

La méthode créative employée par Adam Gordon, un jeune poète américain vivant à Madrid dans ce premier roman drôle et flaneur-y, nécessite une tasse de café et une dose de haschich fort chaque matin. Il n’est donc pas surprenant que le livre revienne en boucle sur la question de savoir si Adam, en tant que poète, en tant qu’amant, en tant que grand Américain à l’étranger, est en quelque sorte une fraude.

La méthode créative employée par Adam Gordon, un jeune poète américain vivant à Madrid dans ce premier roman drôle et flaneur-y, nécessite une tasse de café et une dose de haschich fort chaque matin. Il n’est donc pas surprenant que le livre revienne en boucle sur la question de savoir si Adam, en tant que poète, en tant qu’amant, en tant que grand Américain à l’étranger, est en quelque sorte une fraude.

Une fois que vous êtes blerg’d et trouble, obtenez « Stoned and Starving » avec le deuxième album de ces punks texans verbeux et accrocheurs de Brooklyn. Dans le premier match «Master of My Craft», ils se souviennent que même «Socrate est mort dans une putain de gouttière» et sur «No Ideas», un psy leur dit qu’ils connaissent zilch – alors, ils se disent, pourquoi ne pas allumer de l’Acapulco Gold et divaguer? Ailleurs, le chanteur Andrew Savage nous enseigne des façons formidables de gérer le fait d’être un jeune sans emploi sans but au pays des opprimés – comme déclamer à peu près tout ce que l’on peut sur l’expérience de manger un beignet savoureux tout en évitant une chute noueuse dans son élargissement sans cesse croissant. trou. Chaque riff serré mène au suivant bien avant de s’user, et votre voix intérieure confuse trouvera ici une bonne compagnie.

Avec le plus connu Milton Nascimento, entre autres, Lo Borges est né de la scène musicale florissante et exploratoire du début des années 60-70 Clube da Esquina de l’état brésilien du Minas Gerais. À la différence de leurs compatriotes du mouvement tropical tropical (Gilberto Gil, Os Mutantes), les musiciens du Minas Gerais ont privilégié la dérive langoureuse et la mélodie dorée plutôt que le bris de genre et la discordance, et Lo Borges est un album aussi bon que le moment produit. Une brise profondément douce de guitare liquide, de mélodies de berceuse, de rythme doucement funky et de langueur tropicale, c’est une musique parfaite pour se balancer sur un hamac.

Le deuxième album révolutionnaire des rockers australiens est consacré à la texture. De l’ouverture haletante de «Be Above It» à la fin convenablement chaleureuse de «Sun’s Coming Up», chaque seconde du disque est enveloppée de fuzz, de craquements et de synthés réverbérants. La voix vaporeuse du leader Kevin Parker sert d’ancre au milieu des paysages sonores en spirale blanchis par le soleil dans lesquels même l’auditeur le plus alerte ne peut s’empêcher de se perdre. Le solitude est l’un des rares albums psych-rock de ces dernières années que vous pourriez jouer pour des amis sobres sans gêne.

Lorsqu’il a adapté le roman de Raymond Chandler en 1953, Robert Altman voulait que son Philip Marlowe soit un homme hors du temps – l’honorable P.I. était censé ne pas être à la hauteur de l’égoïsme New Age de Los Angeles des années 70 et il ne l’est pas! Mais avec son expression de chien-pendu, ses marmonnements constants et son ambiance décontractée – son slogan: «Ça va pour moi» – Altman a fini par créer un autre archétype de la culture pop: le détective stoner. (Disponible en streaming sur Pluto TV, Tubi et en location sur Amazon et iTunes.)

Il y a de la décontraction, et puis il y a les Lucas Brothers, deux jumeaux impassibles qui ont créé, écrit et joué dans la série FXX Lucas Bros. Moving Co. Les frères animés sont rarement sans herbe pendant longtemps, et leurs aventures surréalistes à travers l’embourgeoisement de Brooklyn sont rempli de quêtes secondaires dégressives qui maintiennent la logique interne parfaitement bouclée d’un stoner. (Un épisode typique les voit entrer dans une cuisine pour l’âme, ce qui signifie qu’ils doivent voyager en enfer pour récupérer leur âme, qu’ils avaient vendue au diable afin de pouvoir battre Mortal Kombat.) Et quand ils donnent. en fumant de l’herbe, ils trouvent que cela les transforme en super-héros de style Matrix qui finissent par devenir méchants – raison de plus de ne jamais cesser de fumer. (Disponible pour diffuser sur Hulu et acheter sur Amazon, YouTube et iTunes.)

Cette parodie de film d’action sans cesse tumultueuse peut être vue dans n’importe quel état, mais l’aura et l’intensité de Will Forte en tant que MacGruber – qui est en fait le méchant de ce film – est époustouflante. Les références à Die Hard, Rambo, Roadhouse et, oui, MacGyver en font l’une des comédies les plus détaillées de mémoire récente, même si vous ne le remarquerez jamais sous l’émotion surprenante de MacGruber: « Dis-moi ce que tu veux que je baise! » Il pousse pour les extrêmes de toutes les manières et n’est en quelque sorte qu’une scène émeute après une scène émeute jusqu’à ce qu’elle se termine. (Disponible à l’achat sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Le troisième album de la gamme originale Funkadelic de George Clinton commence par encourager explicitement notre participation à la naissance de la magie de la Terre en sommeil: nous l’avons de nouveau assommée, alors élevons l’enfant correctement. Heureusement, vous vous sentirez en sécurité en poussant vos têtes au-dessus du sol (comme la star de la pochette de l’album, Barbara Cheeseborough) une fois que le solo magnifiquement déformé d’Eddie Hazel sur le doigté d’une berceuse démarre sur la chanson titre de dix minutes, retardée et décomposée et intensément émotionnelle. Le reste est lourd mais aussi confortable, avec des tonnes de joie et d’affirmation de vie et de yuks, un funk synergisé riche en surprises: flatulences, robo-bass, coucous, beuglements de vaches, orgue tilt-a-whirl et percussions latines en tête au déchiquetage de guitare furieux sur «Super Stupid», proto-métal à haute énergie sur la perte du combat contre la peur, et juste une des nombreuses incongruités parfaites de ce disque pour le cerveau brouillé.

Le classique de science-fiction influent des Wachowski est une expérience hors du corps sur des expériences hors du corps – Keanu Reeves joue un homme apparemment ordinaire qui apprend que sa vie est une illusion, et que lui et le reste de l’humanité partagent un rêve collectif alimenté par des machines maléfiques. Voici un film qui, malgré tous ses appels à la libération, se livre secrètement aux gloires de la réalité virtuelle. La matrice est peut-être une construction dystopique, mais c’est une construction dystopique cool – une construction dans laquelle nous connaissons le kung-fu, peut traverser les murs, voler des hélicoptères et avoir toutes les armes imaginables à notre disposition. Nous arrivons à faire tout cela… sans même nous tenir debout dans la vraie vie. C’est le rêve d’un stoner. (Disponible en streaming sur HBO Max et en location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Déçu après la rupture des Beatles, Paul McCartney s’est remonté le moral dans son home studio en déposant une douzaine de chansons encore moins cuites que celles de la face 2 d’Abbey Road (plus, enfin, « Maybe I’m Amazed »). McCartney lui-même, cependant, semble être complètement cuit, en particulier sur des démos glorifiées charismatiques hirsutes comme «Every Night», «Man We Was Lonely» et «Teddy Boy», dont les fins semblent arriver bien avant qu’elles ne le soient, comme Paul a oublié ce qu’il faisait et a juste arrêté de jouer. L’écoute de cet album est (probablement) ce qui se rapproche le plus de fumer dans la maison d’un Beatle.

Dans ce cas, vous pouvez juger à 100% un album en fonction de sa couverture: le huitième album d’Animal Collective est un album indie-rock bizarre orné de ce qui ressemble à un effrayant Magic Eye. La musique est parfaitement bancale et pleine d’illusions auditives apparentes, car les techniques d’enregistrement du dub et de la musique de danse, vague après vague, sont en quelque sorte remplies de chansons riches en harmonie qui, à la base, ne seraient pas trop étranges sur Pet Sounds.

Les anciens étudiants des écoles d’art Milligan et McCarthy ont produit certaines des bandes dessinées les plus bizarres (et punk-rock) jamais sorties du Royaume-Uni, poussant leur imagination et celles de leurs lecteurs aussi loin qu’elles le pouvaient sans claquer. Des super-héros existentiellement à la dérive concentrés sur la fabrication des tabloïds à une course de dragsters inspirée de Philip K. Dick en passant par la mythologie indienne, il n’y avait pas un concept ou un archétype que Milligan pouvait résister à la déconstruction joyeusement. Du côté de l’art, McCarthy (qui a aidé à écrire et à faire des travaux de conception sur Mad Max: Fury Road) a continué à aller de plus en plus loin dans un terrier de lapin surréaliste jusqu’à ce que chaque page ressemble à son propre univers.

Dans la tradition obscure de l’œuvre de Thomas De Quincey en 1821, Confessions of an English Opium-Eater, ce mince livre non fictif d’un polymathe belge journalise les auto-expériences narcotiques d’un homme. Ici, l’agent actif est la mescaline. Le résultat est un volume fantastiquement surréaliste de souvenirs de drogue alternativement hyper détaillés et jibber-jabber, ainsi que des dessins de ses hallucinations et de ses marginaux qui signifient qui sait quoi. C’est un compte rendu d’un voyage dans les recoins les plus profonds de l’esprit – et cela finit par être assez drôle. «Une autre pause… cela pourrait-il être terminé?»

Lent, sensuel et débordant de sagesse de la Terre-Mère, le dernier album de Fat Belly Bella est un chef-d’œuvre bienheureux. C’est Badu à son plus confortable, servant un mélange rare de confessionnal et confessionnel, profondément personnel et omniscient à travers des structures de chansons néo-soul sinueuses. Ensuite, il y a la pochette, qui représente un Badu nu rampant hors du cerveau-jardin futuriste d’une version robotique d’elle-même.

Avez-vous déjà pensé à ce que signifient les couleurs? William Gass, un macher littéraire postmoderne, l’a certainement fait. Ce magnifique petit volume comprend 96 pages de jeux de mots de génie et de réflexion sur le «bleu» dans toutes ses significations diverses et énigmatiques. Voici comment cela commence: «Crayons bleus, nez bleus, films bleus, lois, pattes et bas bleus, langage des oiseaux, des abeilles et des fleurs chantés par les débardeurs, que la peau semblable au plomb a lorsqu’elle est affectée par le froid, la contusion, maladie, peur; la gomme pourrie ou le gin qu’ils appellent la ruine bleue et les démons bleus du délire; Des chats et des huîtres russes, un souffle retenu ou emprisonné, le bleu qu’ils disent que les diamants ont… »

Vers l’âge de 35 ans, Walter Benjamin a commencé à expérimenter le haschich, l’opium et la mescaline. De sa première fois sur le haschich, il a écrit, à 3h30 du matin le 18 décembre 1927: «Bonne volonté illimitée. Suspension du complexe d’anxiété compulsive. Le beau «personnage» se déploie. Tous ceux qui sont présents deviennent comiquement irisés. En même temps, on est imprégné de leur aura. Le plaisir a continué pendant sept ans.

L’écriture sur la nature la plus connue de Dillard, lauréate du prix Pulitzer, montre sa maîtrise de ce qui équivaut à une observation surnaturellement proche, le genre de regard qui change à la fois le voyant et le vu. Qu’il s’agisse de mites, de mantes en proie, de prairies ou de son propre chat – un tueur né, comme tous les chats – la prose de Dillard transmet le pouvoir transcendant de vraiment, comme vraiment, regarder.

L’écriture sur la nature la plus connue de Dillard, lauréate du prix Pulitzer, montre sa maîtrise de ce qui équivaut à une observation surnaturellement proche, le genre de regard qui change à la fois le voyant et le vu. Qu’il s’agisse de mites, de mantes en proie, de prairies ou de son propre chat – un tueur né, comme tous les chats – la prose de Dillard transmet le pouvoir transcendant de vraiment, comme vraiment, regarder.

Lorsque Judd Apatow a fait appel à David Gordon Green, un drame indépendant de mauvaise humeur, pour diriger cette étrange comédie de câpres sur un stoner (Seth Rogen) et son dealer (James Franco) qui finissent par se heurter à des gangs de drogue impitoyables, personne ne savait vraiment à quoi s’attendre. Le résultat a été un classique du stoner – non pas à cause de l’histoire manifestement lourde de mauvaises herbes, mais à cause de la passion de Green pour jouer avec les rythmes du film et avec les attentes du public. Pineapple Express passe du slapstick à l’absurdisme en passant par l’action de balles – si vous êtes sobre, c’est tout simplement bizarre. (Disponible à la location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Au cours de 32 numéros, l’étudiante Sophie Bangs – la dernière personne à endosser le rôle du super-héros annonciateur de l’apocalypse Promethea – guide les lecteurs à travers une exploration des pensées personnelles du dieu de la bande dessinée Alan Moore sur la philosophie, la spiritualité, le mysticisme et le occulte. L’écriture est toujours sauvage mais c’est l’art du livre qui mérite vraiment sa place ici. Artiste J.H. Le travail de Williams est expérimental depuis le début, mais à la fin, il fait des choses bizarres avec la conception de page et la couleur qu’aucun artiste de bande dessinée avant lui n’avait même pensé, aboutissant à un dernier chapitre qui peut être lu comme une bande dessinée standard ou réassemblé en un gigantesque document de la taille d’une affiche.

Rick et Morty est comme le point de vue d’un stoner sur Family Guy à travers l’optique de Dan Harmon. Basé sur les aventures de voyage dans le temps et de saut dans la galaxie d’un garçon nommé Morty et de son grand-père scientifique fou Rick – une sorte de version insensible et plus sénile de Back to the Future’s Doc Brown – Rick et Morty sert à la fois de parodie et d’absurdité , suivant toujours des chemins plus étranges que Seth MacFarlane ne l’aurait jamais imaginé. Considérez ceci un autre spectacle né du big bang de ce genre: Sideshow Bob marchant sur le râteau. (Disponible pour diffuser sur HBO Max, Hulu et acheter sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Les bases du roman postapocalyptique sous-estimé criminellement de Hoban, qui est pire que criminellement sous-estimé, sont assez dingues à elles seules: 2000 ans après une guerre nucléaire, la société est entrée dans un autre âge des ténèbres, et un adolescent est empêtré dans une course à la réhabilitation. créer des armes à feu. Les phrases, cependant – écrites dans une sorte d’anglais pidgin – sont ce qui rend Riddley Walker si unique, et elles sont plus gratifiantes plus vous passez de temps en leur entreprise:

«On dirait que je pense de toutes les manières à cette chose en nous ce qui nous pense, mais il ne pense pas comme nous. Notre vie dans le monde est une idée à laquelle nous ne pensons pas et nous ne savons pas ce que c’est. Quelle façon de vivre.

Les peintures de Grey sont-elles du bon art? Probablement pas. S’agit-il de représentations presque parfaites de la perception défoncée? Hot-diggity ils sont! Si le travail de Grey vous semble familier, c’est parce qu’il est devenu emblématique pour d’autres musiciens amis des États modifiés. (Tool, Nirvana et les Beastie Boys, entre autres, ont utilisé les peintures de Grey pour leur pochette d’album.) Et il est facile de comprendre pourquoi. Faux rayons X, couleurs saturées, obsédé par le corps, beaucoup de lignes rayonnantes – «l’art visionnaire» de Grey est une traduction simple de la vue psychédélique – qui, dans l’état approprié, le rend parfait à regarder pendant des heures et des heures et des heures et les heures.

Les Salad Days estivaux sont la bande-son parfaite pour une journée, une semaine, un mois ou une vie de farniente. Chacune des 11 chansons hummables du disque serpente au hasard, sans jamais tenter d’être quelque chose de plus audacieux que son propre moi trompeusement simple. Le résultat, plein de lignes de basse, de guitares scintillantes et de synthés brûlés par le soleil, est charmant sans effort, et les paroles introspectives sont étonnamment poignantes. Voilà le genre de chansons que vous chanterez tranquillement pour vous-même longtemps après votre retour à la sobriété.

Sorti en triple LP en 1980, le quatrième album des Clash les a trouvés abandonner le pouvoir rock de London Calling et se livrer à un certain nombre de genres différents: reggae traditionnel, folk, soul, danse, jazz, gospel, etc. (Fumez-le si vous l’avez compris, dit le proverbe, et ce groupe avait tout pour plaire.) La dernière douzaine de titres, à commencer par « Lose This Skin », est l’endroit où l’album va vraiment boners, avec des incursions dans le dub et une interprétation de leur plus tôt scorcher «Opportunités de carrière» chanté cette fois par quelques enfants. Si vous avez la version vinyle, regardez la rainure de ruissellement au centre: vous trouverez des mots gravés qui, sur les six faces des disques, s’additionnent à « Dans l’espace, personne ne peut vous entendre Clash. »

Le roman elliptique de Bolaño s’articule autour d’un groupe d’intellectuels appelés les Visceral Realists et de la communauté qu’ils inspirent – divisé en trois parties, il est probablement plus facile de considérer The Savage Detectives comme trois livres. Le deuxième passage, qui flotte comme par magie d’une perspective à l’autre, décrit les philosophies libres et essentiellement sans importance du groupe; la troisième partie culmine (de manière satisfaisante!) avec un dessin au trait complètement impénétrable.

Sur ses 169 épisodes, il y a déjà assez de rires de ventre pour vous faire mal. Mais pensez-y: pourriez-vous rassembler le bon sens pour passer commande du Soup Nazi? Que feriez-vous si vous vous faisiez passer pour un biologiste marin et que vous tombiez par hasard sur une baleine échouée? Ou si la rêverie étourdie n’est pas votre truc, vous pouvez simplement rire des tenues des années 90 et vous demander combien d’intrigues de la série seraient rapidement résolues si les personnages avaient un téléphone portable. Quoi qu’il en soit, Seinfeld montre une fois pour toutes que rien n’est vraiment quelque chose. (Disponible pour diffuser sur Hulu, Sling TV et acheter sur YouTube, iTunes et Google Play.)

On pourrait facilement affirmer qu’il s’agit vraiment plus d’un album acide qu’un album de pot, mais n’est pas dur pour nous, d’accord? Sur sa précédente compilation Selected Ambient Works 85–92, le génie britannique de la musique électronique Richard D. James a construit des structures rigoureusement logiques et étonnamment émotionnelles de la mélodie de synthé et du flux de la boîte à rythme. Sur Vol. II, il ne reste que les traces. Un brin de clavier énigmatique ici, la moindre impulsion là-bas. Miraculeusement, l’émotion demeure, et le résultat est une musique qui ne perd jamais sa mélancolie ni son mystère ruminatif.

Presque tout ce qu’Andy Warhol a touché entre 1962 et 1968, lorsqu’il travaillait dans ce que l’on appelle maintenant la Silver Factory, avait une poussière de lutin dessus – une magie qui a non seulement changé la façon dont l’art regardait le monde, mais avait le révolutionnaire. pouvoirs pour changer la façon dont le monde regardait l’art, ainsi que la façon dont les gens regardaient le monde. Quiconque pénétrait dans cet espace du centre-ville avait la possibilité d’être transformé, consommé, mangé vivant ou mis en liberté. Ce qui a rendu cet empire d’origine si spécial, c’est en partie l’aspect de ses murs et de son ascenseur, tous recouverts de papier d’aluminium par le photographe Billy Name, le même utilisateur de l’usine qui a récupéré le célèbre canapé rouge miteux où les crashers se sont écrasés et des films comme Blow Job ont été réalisés.

«N’importe où et partout, accrochez-vous!» promet le slogan du titre solo du Silver Surfer, et c’est exactement ce que la récente équipe d’artistes-écrivains Dan Slott et Mike Allred a livrée. Oui, leur interprétation en roue libre du personnage ne s’éloigne pas si loin de l’original de Jack Kirby – un héros solitaire parcourt l’espace sur sa planche de surf à la recherche de moyens de compenser les dommages qu’il a contribué à faire, bien sûr, le héraut de Galactus – mais le duo laisse enfin leur stoïque avance craquer un sourire et s’amuser. Quand vous pouvez voir toutes les planètes et créatures impressionnantes que la galaxie peut offrir, avec votre amour (et votre lecteur) Dawn Greenwood à vos côtés, pourquoi ne pas accrocher un dix cosmique?

L’œuvre de la vie de l’artiste James Turrell est une installation à Roden Crater, un cône volcanique en Arizona où Turrell sculpte son chef-d’œuvre. Présenté comme un «observatoire à l’œil nu», Roden Crater représente le point culminant d’une vie mêlant couleur, espace et illusion d’optique dans certaines des installations les plus demandées de la planète. Mais surtout… la lumière! TELLEMENT DE LUMIÈRE, FAISANT TOUTES LES SORTES DE FORMES SAUVAGES! Bien que son art puisse être écrasant, il y a aussi quelque chose de magiquement humain à ce sujet. Et comme Roden est pratiquement impossible à atteindre, vous voudrez peut-être commencer par les Skyspaces beaucoup plus accessibles de Turrell.

De tous les hymnes de pothead, Smiley Face se rapproche le plus d’une expérience de stoner en réalité virtuelle. Anna Faris donne une performance laconique aux proportions épiques dans le rôle de Jane, une actrice qui ingère par inadvertance des cupcakes et se lance dans des mésaventures proverbiales. Réalisé à partir du scénario de l’acteur Dylan Haggerty par l’auteur indépendant Gregg Araki, Smiley réussit en grande partie grâce à Faris, qui est l’une des rares actrices que vous paieriez pour regarder faire de mauvais choix pendant 90 minutes. Mais Araki résiste également à rendre l’environnement de Jane trop large, permettant à ses détours (sans parler des digressions de «réflexion profonde») de serpenter au ralenti pendant que le film dans son ensemble passe en temps réel. Ou, comme Jane pourrait l’évaluer, «Cette situation est totalement foutue. Avec un chapiteau.

Cela a-t-il vraiment besoin de justification? Très bien: le Gorn. «La ville au bord de l’éternité?» Tribbles. Fusion d’esprit, politique de genre extraterrestre et Harry Mudd. La musique de la scène de combat koon-ut-kal-if-fee «Amok Time». Ou, jeez Louise, qu’en est-il des rythmes infiniment bizarres du jeu d’acteur de William Shatner? C’est du free jazz joué par un jambon d’histoire mondiale, et infiniment fascinant. (Disponible pour diffuser sur Netflix, Hulu et Amazon et à acheter sur YouTube, iTunes et Google Play.)

Step Brothers est génial parce que, contrairement à la plupart des comédies hollywoodiennes à gros budget de nos jours, il n’essaye pas de vous apprendre quoi que ce soit. Les demi-frères dans cette affaire – Will Ferrell comme Brennan, John C. Reilly comme Dale – sont des perdants d’âge moyen dans les affres d’un développement arrêté qui sont forcés de se réunir en raison d’un mariage. Bien qu’ils commencent comme des ennemis, ils établissent une compréhension profonde à travers l’opéra, les activités et une petite entreprise appelée Prestige Worldwide. L’humour surréaliste et aléatoire de Step Brothers est un délice; les absurdités de grande envergure comme « Quelle est la taille d’un poisson bonite? » semble beaucoup moins absurde, plus vous êtes prêt à vous laisser aller. (Disponible à la location sur Amazon, YouTube, iTunes et Google Play.)

Ce dessin animé minimaliste FXX est exactement ce qu’il dit sur la boîte: il suit les aventures délicieusement farfelues de quatre canards anthropomorphes, qui semblent tous assez défoncés. Chaque épisode de dix minutes est composé d’un groupe de croquis vaguement connectés; parfois une femme complote pour se suicider aux côtés de son chat de compagnie, parfois la journée est sauvée avec une danse chorégraphiée sur «What a Fool Believes», et parfois John C. Reilly apparaît pour exprimer un flic très John C. Reilly-esque (qui est aussi un canard, natch). (Disponible pour diffuser sur Hulu et acheter sur Amazon et iTunes.)

Comme si Evel Knievel n’était pas assez absurde, est arrivé Super Dave Osborne, le faux cascadeur légendaire qui a en quelque sorte survécu au plus stupide de tous les actes défiant la mort, ce qui impliquait généralement d’être écrasé par de gros véhicules en mouvement ou de tomber de grandes hauteurs sans équipement de sécurité approprié. . Le comédien Bob Einstein (le frère aîné d’Albert Brooks!) A joué le personnage de manière convaincante à partir du début des années 70, devenant un invité récurrent de nombreuses émissions, dont Carson et Letterman, et organisant finalement ses propres émissions. Un prototype pour tant de personnages de Will Ferrell, Super Dave est impitoyablement arrogant et courageusement stupide, lançant un dialogue ridicule qui prépare parfaitement son prochain échec magnifique. Tout comme Sisyphe, tu sais? (Actuellement indisponible pour la diffusion en continu.)

Mastermind Gustav Ejstes et ses frères scandinaves lancent un tas d’éléments envoûtants dans l’air – guitare floue, cordes scintillantes, tambours jazzy, mélodie en cascade – et les laissent atterrir où ils peuvent. Une chanson est décidément Hendrixian, la suivante est fondue Grateful Dead, puis il y a des ballades majestueuses et des jams discordants de saxo – et comme tout est chanté en suédois, il est facile d’imaginer l’atmosphère rustique païenne de l’album comme étant le produit de gnomes ou d’elfes ou quelque chose. (C’est un compliment, justes Suédois.)

Avez-vous vu la plus belle vidéo sur YouTube? C’est cette vidéo, un extrait de Teletubbies édité sur l’air d’une chanson de Joy Division. Cela vous fait vraiment penser, comme [fffffffft] peut-être que la légèreté et les ténèbres sont toujours un peu la même chose et [fffffffft] d’une certaine manière le soleil est vraiment un bébé innocent regardant nos faiblesses humaines et riant et [ffffffffft] je me demande où est ce bébé maintenant [ffffffffft] Je pense qu’il y avait un article de BuzzFeed sur l’endroit où se trouve le bébé maintenant mais j’ai oublié de cliquer dessus [ffffffffft] J’espère juste que le bébé n’est pas mort, ce serait déprimant [ffffffffft] mais oui aussi non ‘ C’est fou comme [ffffffffft] Teletubbies a ouvert la voie au mariage gay en quelque sorte [ffffffffft] parce que l’acceptation par notre génération de la fluidité des sexes a commencé avec notre acceptation de l’homme Tinky Winky [ffffffffft], Teletubbies a vraiment changé le monde [ffffffffft] en streaming sur Hulu. (Disponible à l’achat sur Amazon et YouTube.)

Alors que les deux premiers albums de Zep faisaient allusion à leur nerdery médiéval, le quatuor s’est vraiment adonné à cet album, un album qui rachète le vieux cliché de la campagne. Écrit principalement dans un cottage gallois éloigné appelé Bron-Yr-Aur, le voyage commence par les gémissements de Viking de Robert Plant sur «Immigrant Song» et vire aux plaintes explosives mineures («Since I’ve Been Loving You»), contes folkloriques («Gallows Pole»), bucolique Americana («That’s the Way») et fantomatique blues («Hats Off to (Roy) Harper»). Grâce en grande partie à l’ingéniosité sonore du guitariste-producteur Jimmy Page, c’est un disque cohérent, tirant sa puissance de ses sentiments alternés de tension et de tranquillité. Et si vous pouvez déterrer une copie vinyle (nettoyer les graines de la colonne vertébrale), il y a beaucoup de plaisir à trouver dans la pochette surréaliste de l’album, qui a été conçue par un ami de Page, nommé Zacron.

Peut-être le duo de comédie le plus controversé depuis que les Smothers Brothers ont été lancés de CBS, les styles multiformes, agressifs et complètement déformés de Tim Heidecker et Eric Wareheim ont laissé une marque indélébile sur la comédie de stoner de la même manière que M. Show a fait une décennie. précédent. Leur gamme est large – le cauchemar dément de l’accès au câble Check It Out! Avec le Dr Steve Brule, la satire 2-D brutaliste de Tom Goes to the Mayor, la série Web anti-critique de longue date de Heidecker On Cinema – mais le joyau de la couronne du couple, Tim et Eric Awesome Show, Great Job !, a laissé un marque indélébile et hallucinante sur le genre que l’on retrouve dans tout, du Kroll Show à Portlandia. Cela pourrait vous effrayer, c’est-à-dire si vous ne vous évanouissez pas en riant trop fort. (Disponible pour diffuser sur HBO Max, Sling TV et acheter sur Amazon, iTunes et YouTube.)

Le génie de L.A. session cat devenu artiste solo Dam-Funk est la façon dont il trouve les liens sonores et spirituels entre les sorciers des studios pop des années 70 comme Todd Rundgren et les maestros funky des années 80 R & B comme Roger Troutman de Zapp. Sur deux disques et deux heures de funk-pop brillante et complexe, Dam marie une attention obsessionnelle aux détails – chaque recoin de cet album est rempli de délices de fumeur – à un sens implacable du groove. C’est la terre et le ciel, la mélodie et le rythme, chauds et froids à la fois. Il vaut la peine de le voir en direct aussi, simplement pour les solos de keytar étendus.

Vous vous souvenez des sagas interminables que vous créeriez avec tous vos jouets quand vous étiez enfant? L’histoire approuvée par Hasbro de Scioli et Barber en est l’équivalent en bande dessinée. Les jeux de guerre fantaisistes et colorés entre les gammes de jouets éponymes peuvent faire un peu défaut en matière de logique ou de raison, mais il est peu probable que vous vous en souciez. Alors que le livre aurait pu devenir juste un autre cross-over d’entreprise lâche, il a un esprit hyperactif rarement présent dans les bandes dessinées américaines grand public de nos jours. L’art de Scioli se démarque, mélangeant magnifiquement des scènes de bataille méticuleusement détaillées extraites d’un cahier d’algèbre avec le psychédélisme trapu de la puissance maximale de Jack Kirby.

Dernièrement, personne n’a mieux manipulé l’espace variable entre les objets réels, l’imagerie numérique, des millions de couleurs, la distorsion auditive, le récit culturel et le sentiment de faire bouger son métabolisme à la vitesse d’un insecte et de tout voir à travers les yeux de libellule que Ryan Trecartin. Au-delà des raves, de Warhol et des états d’extase hippie, Trecartin fait fondre la vie et Red Bull dans des écrans numériques éblouissants qui réveillent et réveillent l’altérité.

Au début du premier long métrage de réalisation de Terrence Malick depuis le Nouveau Monde de 2005, des scènes ostensiblement trippantes représentant des dinosaures et la formation de la Terre aident à illustrer le désespoir et la guérison qui peuvent découler de l’appréciation de notre petitesse dans l’histoire. Et ils ont certainement donné le ton pour une expérience sensorielle accrue. Mais ce qui s’ensuit est une histoire de grande empathie pour un clan texan de la classe moyenne dans l’Amérique de l’après-Seconde Guerre mondiale, reconstituée à la façon dont les vrais souvenirs se sentent et fonctionnent: comme des patchworks de chuchotements, de cris, de lumière douce et de retraite sombre qui se rencontrent quelque part dans le temps avec notre moi présent. Et, comme la fin de Tree of Life pourrait le suggérer, en route vers la réconciliation. C’est une transcendance nocturne essentielle qui s’accordera certainement bien avec votre médicament contre le glaucome. (Disponible à la location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Même 25 ans après sa première, Twin Peaks est toujours l’une des émissions les plus étranges et les plus uniques jamais diffusées à la télévision. Et la télévision en réseau, en plus! Des années avant que les séries câblées ne commencent à repousser les limites et avant que Adult Swim ne prouve que les gens n’avaient pas peur de l’absurde ou du surréaliste, David Lynch faisait la lumière sur les petites villes américaines et montrait à quel point cela pouvait être bizarre. Beaucoup d’autres artistes avaient impliqué des citoyens ordinaires dans des histoires de meurtres et de tromperies, mais peu avaient pris la peine de reconnaître tous les monstres et les bizarres qui y vivent aussi. Aucune drogue ne rendra cela plus sensé (pourrait-il y avoir quelque chose?), Mais cela pourrait vous rendre plus à l’aise avec le surréalisme. (Disponible pour diffuser sur Netflix, Hulu et acheter sur Amazon, iTunes et Google Play.)

L’épopée de science-fiction de 1968 de Stanley Kubrick retraçant l’évolution de l’homme de la préhistoire vers le futur – des singes aux astronautes – était un film révolutionnaire pour le genre de science-fiction, pour les effets spéciaux et pour la narration elliptique: toutes ces longues scènes de vaisseaux spatiaux lentement l’amarrage à de la musique classique majestueuse était sans doute tout aussi important que des scènes plus généralement orientées vers l’intrigue (dans la mesure où il y en avait). Mais le film de Kubrick était aussi, comme il se trouve, un tournant pour les films de stoner: une génération entière d’enfants de fleurs a fait de la visite de 2001 un passe-temps national. Et qui peut les blâmer? Les longueurs élégantes du film, son récit oblique, ses effets spéciaux littéralement trippants (en particulier la tristement célèbre séquence «Stargate», un tour de montagnes russes vertigineux et surréaliste à travers le cosmos) en ont tous fait un film parfait auquel on pouvait se déconnecter. (Disponible en streaming sur HBO Max et en location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

Bien avant Drive (mais juste après Easy Rider), les cinéphiles ont été livrés au réalisateur Monte Hellman’s (connu jusque-là pour ses collaborations au milieu des années 60 avec un jeune Jack Nicholson) saga lunatique du besoin de vitesse Two-Lane Blacktop. Venez voir un James Taylor aux cheveux disquette (en tant que pilote) dire «enculé» comme il l’entend, mais restez pour le pilote et son copain de course de dragsters, la série fluide de rencontres rapprochées du mécanicien (Dennis Wilson) avec des fuyards de lutins, des boules en stop, et humdrum Americana au milieu de leur confrontation de chevaux de cross-country avec le réducteur rival GTO (Warren Oates). L’effet cumulatif est semblable à Slacker rencontre Cannonball Run le long de la Route 66, sur le régulateur de vitesse. (Disponible à l’achat sur Amazon.)

Rien de tout cela pour Lana Del Rey: «J’ai des plumes dans les cheveux», se vante-t-elle de la glorieusement langoureuse Ultraviolence, «Je me défonce avec de l’herbe hydroponique.» Et étant donné l’ambiance générale de l’album, son histoire se vérifie – tout cela ressemble à une expiration magnifiquement soutenue. Des mélodies flottent et s’envolent, le tempo ne dépasse jamais le «somnambulisme», et une chanson qui serait sur Axl Rose dit littéralement: «Il aimait les armes et les roses / Les armes à feu et les roses / Il aimait les armes à feu et les roses / Il aimait les armes à feu / Et roses / roses, roses.  » Nous aurons ce qu’elle fume.

Les voix sensuelles désincarnées sont tranchées et coupées en dés et rendues par doublage ici – gémissant, haletant, soupirant et disant des choses séduisantes et partielles comme l’élémentaire « parce que vous bougez » ou le résigné « rien à faire. C’est comme si le pionnier finlandais de la «micro-maison» Vladislav Delay (ici appelé Luomo) présentait des questions ou des invitations chaleureuses et ouvertes, et reconstituait le tout au milieu d’un rythme house épais et hypnotique riche d’une corne d’abondance de «clics et coupes» d’adolescents magnifiquement orchestrés (comme le disent les spécialistes du genre). Tout au long des six longs morceaux de Vocalcity, c’est fascinant. Bien que les changements semblent minimes et progressifs, vos oreilles capteront continuellement de nouveaux éclats – que vous adorerez nager dans le tourbillon de – et votre corps ne s’arrêtera pas de bouger. C’est un voyage magnifique qui trouve la langueur au milieu de l’encombrement de la meilleure façon, et c’est un outil de conversion primordial pour les opposants à la house-music: ce n’est pas juste un bruit sourd, les gens.

La vie au réveil de Richard Linklater est une sorte d’Eden. Il combine une philosophie Internet profonde – c’est comme Metaphysics Lite – combinée à un style d’animation qui superposait des animations et des couleurs vives sur un film réel. Waking Life est le colocataire d’université qui avait regardé Loose Change sur un bender et pensait qu’il faisait quelques bons points même si sa prémisse générale était irréalisable et sa politique dépassée. Si la weed est en effet une drogue d’introduction, Waking Life est quelque chose comme un film de passerelle. Veuillez utiliser avec modération. (Au fait, il a fallu beaucoup de retenue pour ne pas faire de blague sur Baking Life ici.) (Disponible à la location sur Amazon, iTunes, YouTube et Google Play.)

La vue de centaines, parfois de milliers de personnes allongées sur le dos, admirant le spectaculaire Weather Project d’Olafur Eliasson, une gigantesque projection rouge comme un soleil dans le géant Tate Turbine Hall, était le sommet de tout ce que Relational Aesthetics disait vouloir être: l’art , institutions, publics, initiés et non, participant à parts égales à une œuvre d’art. Ce simple E = mc⊃2; le travail était une expérience parfaitement confirmée.

Paranoïa? Bouche de coton? Maladresse? Passe. Weekend at Burnie’s, l’album serein de 2011 du stoner le plus prolifique du rap, brosse un tableau différent de ce que c’est de fumer de l’herbe. Pour Curren $ y, être défoncé – et il est toujours élevé – signifie être détendu, vif, confiant, rapide à assimiler et entouré d’amis et de femmes tout aussi décontractés qui préparent son prochain joint – le paradis de la pierre.

De haut en bas, le jeu-spectacle d’improvisation britannique était lié à la réalité, à peine, par l’esprit sec de l’animateur Clive Anderson. Les interprètes – dont les meilleurs étaient Ryan Stiles, Greg Proops, Colin Mochrie et Tony Slattery – ont montré des talents du moment qui avaient rarement été vus à l’écran auparavant, en dehors des dérapages occasionnels à la télévision en direct. Venez pour les blagues, restez pour les bloopers instantanément récupérés et demandez-vous comment diable ces artistes pourraient être si drôles si vite. (Disponible pour diffuser sur Amazon Prime, Hulu et Tubi.)

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